Esteban Ibarra: “Deberíamos acercar al cliente a algo que jamás esperaría”

Esteban Ibarra tiene una vasta experiencia en el diseño gráfico, centrándose en la creación de logotipos. Reconocido profesor en la plataforma Domestika y docente en varias Universidades de Buenos Aires. Todo ese conocimiento lo pondrá de manifiesto en el taller y conferencias que dará en la Bienal de Diseño y Cartel Bolivia BICeBé 2025, donde además es uno de los jurados.

El taller que el diseñador argentino brindará se denomina Del signo al símbolo, donde abarcará la conceptualización, la narrativa y el diseño de un logo; en tanto que su conferencia magistral se titula Detener la forma, en la que plantea algunas preguntas como ¿Es más difícil comenzar o terminar un proyecto? ¿En qué momento exacto decidimos que nuestro proyecto está terminado?

La IX BICeBé se llevará a cabo en La Paz del 20 al 22 de octubre y en Cochabamba del 23 al 24 del mismo mes. Ibarra respondió a algunas consultas sobre su carrera tanto de diseñador así como de docente.

Pura Cepa (PC). ¿Qué es lo primero que piensas cuándo te piden que desarrolles un logo? ¿Ha cambiado tu forma de encarar ese trabajo en los últimos años?

Esteban Ibarra (EI). Lo primero que pienso es “¿cómo podré hacer algo que no se parezca a otra cosa?”. Sinceramente, siento que debe ser lo primero que a alguien se le debe atravesar por la cabeza en ese primer contacto.

Luego viene todo un momento de inquietud, adrenalina y la siempre polémica primera idea: esa que es la más auténtica a tu forma de pensar, a tu manera de atravesar los proyectos a lo largo de tantos años.

En el proceso, todo ese pensamiento se transforma luego a una hermosa sensación: cuál es la forma más interesante de contar lo que el cliente tiene (o quiere) contar. ¿Por qué yo? ¿Cuál es el aporte que puedo darle al proyecto desde mi visión? ¿Cómo encontrar esa voz que la marca necesita?

A lo largo de años de trabajo, el proceso fue bastante similar desde tiempos muy fundacionales, cuando entendí que debía enfocarme más en qué contar y cómo contarlo que en “resolver” (palabra que odio con todo mi ser) un pedido específico. En líneas generales, ese proyecto está llegando a mí, en un determinado momento de la historia (y mi historia) y será cada autor quien genere una propuesta desde su visión.No creo que exista una única manera y universal de llevar adelante cada proyecto… y eso es lo interesante del diseño.

Yendo al diseño de logos en sí, la fantasía de generar algo que “pueda durar muchos años” también es algo muy atrapante para mi forma de ver las cosas… hay una sensación de “trascendencia” en eso: pensar una forma única, que se detendrá en el espacio por muchos años, intentando representar algo concreto y que le llegue a las personas indicadas.

PC. En la BICeBé darás un taller sobre la conceptualización y la narrativa de un logotipo ¿Cómo hay que ajustar esos procesos a lo que pide un cliente cuando el diseñador tiene una “voz propia”?

EI. Creo que, como decía antes… con el tiempo uno se va dando cuenta que más allá del proyecto y las cuestiones racionales que lo atraviesan, existen otras aristas que involucran a lo emocional y a lo personal… lo particular de cada autor o autora. Esa “voz”, que a veces se confunde con “estilo personal” se va construyendo a lo largo de muchos proyectos y años de trabajo y no es más que entender que estamos ahí para darle forma a algo, y que ese algo se verá atravesado por nuestra mirada.

En algunos casos, esa mirada debe enfocarse más en lo racional, a veces más en lo emocional del proyecto y a veces podemos darle nuestra mirada completamente visceral y propia. Todo depende del proyecto, el cliente, los tiempos, las formas y un sinfín de situaciones.

PC. En tu biografía se menciona que tu enfoque te ha llevado a trabajar más con empresas medianas y pequeñas ¿Por qué elegiste esto? ¿Cuál es la diferencia entre crear diseños para estas empresas y otras más grandes?

EI. Siento que hay una forma de ser propia, que necesita el contacto con quien toma las decisiones finales. En algunos proyectos más grandes, siento muchas veces que cada propuesta va atravesando miradas muy distintas y distintas instancias que hacen que la idea se vaya apagando o mutando de formas a veces muy poco controlables.

Hay algo en los proyectos más chicos, más personales… que me hacen sentir más trascendental (ya que estamos con esa palabra hoy) y donde siento que mi rol como diseñador es mucho más preponderante que en un proyecto más grande… es decir, a una gran marca de zapatillas no se le moverá mucho la aguja por mi aporte; mientras que, para un pequeño proyecto, llevado adelante por gente que deja muchos sueños y expectativas en el medio mi aporte será mucho más importante y determinante.

PC. ¿Se puede descartar un logo a pesar de que en el boceto uno piense que ya lo tiene totalmente controlado? ¿Cuánto puede cambiar un logo desde el boceto hasta el trabajo terminado?

EI. Claro que sí. No soy un gran bocetador de logos. Suelo ir mucho más a la idea y tratar de materializarla. Me interesa más el qué contar que la forma, aunque luego soy muy intenso con la forma final y los detalles finales. Los ajustes son necesarios, pero suelo ajustar mucho en la primera etapa, para que no me quede mucho ajuste pendiente luego y para que el cliente pueda ver la idea lo más definida y prolija posible.

En ese camino, la búsqueda de lo único, de la estabilidad / inestabilidad, de la tensión, de la legibilidad, de los pesos, etc… todo se pone en juego en un camino que proyecto a proyecto logra atraparme.

Obviamente, algunos proyectos son más directos y uno “ya sabe por dónde quiere ir el cliente” al comenzar… esos son lo que tienen menos desafíos. En mi visión, siempre deberíamos proponerle o acercar al cliente a algo que jamás esperaría.

PC. ¿Qué puedes contar de Espacio Virgen y su apoyo a los diseñadores? ¿Cuál es la importancia de estos espacios independientes para la enseñanza del diseño?

EI. Virgen es un espacio hermoso, que me llenó de historias, experiencias y atravesó, sin darme cuenta, la vida de más de 1.000 personas a lo largo de su historia. Gente de distintas latitudes, que fueron encontrando en nuestra propuesta nuevas formas, definiciones personales, nuevas inquietudes y vínculos.

Un espacio que me dio amigos, una familia y muchos colegas con quienes compartimos el crecimiento en estos últimos años.

En lo personal también de alguna forma me permitió complementar y hasta “terminar” mi formación universitaria que había sido un tanto defectuosa. Logré darle forma a nuevos intereses, visiones y encontrarme con mi yo diseñador, con quien estaba un poco peleado.

Hoy estamos en una especie de pausa eterna, siempre con la nostalgia de reactivar, de repensar y de volver al ruedo.

Tuvimos la visión en aquellos años de ser pioneros en formación de temáticas que luego se volvieron casi hasta virales como el lettering o el UX. Recuerdo que cuando lanzamos nuestro primer taller de UX, llamado “Odio hacer webs”, hasta recibimos algunos comentarios en tono burlón sobre lo aburrido que era hacer webs y que nadie se anotaría al taller. El mercado laboral luego nos dio un poco la razón, los cursos de UX florecieron por todas las latitudes y las búsquedas laborales también.

Es importante la formación universitaria y toda la formación posterior… más que nada en un mundo que se está llenando de gurúes, recetas para diseñar mejor y esa sensación de “resolver el diseño”, desde formas universales y sin tener en cuenta las propias visiones o experiencias.

Sumamente enriquecedor, además, que como docentes entendamos sobre los tiempos que corren, la empatía, la llegada al “público” y las nuevas inquietudes. El formato de docente/sabio no debería existir más, desde mi óptica, y lucho para que ello pase en cada clase… tratando de acompañar a cada quien a encontrar su propia voz, potenciar sus inquietudes y motivar a expandir los límites.

PC. ¿Cuál ha sido tu experiencia como docente en la plataforma Domestika? ¿Qué destacas de este tipo de cursos para aprender diseño?

EI. Mi experiencia anterior, desde ser espectador y tener un espacio físico de enseñanza, obviamente no era la más feliz respecto a la plataforma y al modo de contar / narrar los cursos. Siempre intenté diferenciar mucho la palabra “taller” de la palabra “curso”. Eso me tenía en un poco de controversia con la plataforma… sentía que todo le desarrollo de contenidos y cómo se lo mostraba era demasiado procesado y muy “de receta”.

Cuando me convocaron y comencé a ver el detrás de escena y a atravesar todo el proceso de construcción, definición y dictado del curso, sentí que se abría en mí otra manera de pensar sobre la plataforma y terminó siendo un proceso sumamente enriquecedor para mi manera de trabajar y pensar los proyectos.

El armado de los contenidos me hizo dar cuenta de la cantidad de instancias o etapas por las que atravesaba mi proceso creativo de manera tan intuitiva y espontánea.Encontré cierta sensación de “método propio” y fue muy interesante contárselo al mundo. 

Hoy día todo ese contenido está allí, esperando a ser compartido y la gente sigue llegando a él desde muchas maneras e inquietudes.

Sin lugar a dudas, mi visión sobre los contenidos cambió y me sirvió de mucho realizar el curso.

PC. ¿Cuáles y quiénes son (y fueron) tus principales influencias en la creación de logotipos?

EI. De los grandes maestros o maestras que suelen estar en los contenidos que a uno lo formaron a nivel universitario, podría nombrar a personas como Lubalin, Paula Scher, Lance Wyman, Saul Bass o Paul Rand.

Con el tiempo, fui trasladándome hacia otras latitudes, descubriendo el trabajo de Ikko Tanaka, el diseño soviético, el polaco Karol Sliwka y últimamente estoy fascinado con el trabajo de diseñadores más contemporáneos como Patryk Hardziej.